Rashomon, peliculón..., es lo mismo.

Cuando pensaba en la mejor película del mundo ( para mi, claro está) pensaba en una historia simple de la que sacar bstante y la cual no necesite ni de una gran producción, ni de un gran reparto y mucho menos de muchos y complicados escenarios.
Es decir, que aunque adore las 3 primeras, Alien es lo contrario de lo que nunca podré considerar un peliculón aunque la 3 es de genio sabiendo por lo que tuvo que pasar Fincher, pero bueno, ese es otro tema.

Bien, pues Rashomon del magnífico Akira Kurosawa si tiene las aptitudes para ser uno de ellos, es decir, un peliculón.

Pocos personajes, tres escenarios sencillos a mas no poder y una historia simple:

Pocos personajes: Pero todos muy intensos, muy teatrales y sin un ápice de excesos( ni en ritmos, Akira era bastante lento, ni en conversaciones, ni en exageración de los personajes). Es decir que los personajes no empiezan a discutir uno en contra del otro, sino que dan sus premisas y escuchan al otro haciendo que la película pase de ser un cotilleo a algo mas serio y mucho mas dificil y delicado de analizar. Y cuidar eso en los personajes y mas con el tema que Rashomon trata es tener hecho mucho.

Tres escenarios: La película es ante todo la narración de un suceso. Un suceso no aclarado del que mucha gente tiene que testificar. La mejor manera de filmar una historia que cuenta con un suceso, unos testigos y un presente en el que se narra lo anterior es partir la película en tres ecenarios, uno para cada cosa. Simplemente 3 escenarios, todos simples al principio pero con muchas connotaciones adquiridas al final de la película.

Una historia simple: Rashomon no es otra cosa que una historia simple. Una historia simple bien contada y tomandose el tiempo necesario para contarla supone para akira una hora y veintiocho minutos, una medida perfecta para mi forma de ver el cine. ¡Una hora y media! También eso pensaba que duraría la película perfecta, ni mucho para cansar ni poco para quedarse falta de contenido. Rashomon es de las pocas películas que acaban cuando tienen que acabar. Es decir, que todo está bien cerrado, bien explicado y perfectamente narrado, lo único que hace falta tras estos paso es terminar, ya no hay nada que seguir contando. Si ocurriese esto con todas las películas... en fin. Fuera utopías.
A la derecha> (Kurosawa con sus típicas gafas de sol, solo se las quitaba para leer el guión)

Nota: 10 (No me esperaba una obra tan bien hecha, creí que me iba a encontrar ocn un tostón de ritmos lentos, todo lo contrario, perfecta en todos sus sentidos)

El caso Winslow

David Mamet es el director de esta peculiar palícula. Peculiar por sus dialogos forzados dando ese aire teatral a las acciones y conversaciones. Textos longos, estructurados y preparados para llegar a un final que no es otro que ir dando información y así conseguir que la trama se desenvuelva.
Aparte de las florituras lingüísticas, de las formas de respeto desmedidas hacia los demás y la exageración de su argumento. El caso Winslow no es otra cosa que una obra teatral que de lo que menos pendiente está es de como vaya el caso. Y me parece genial, porque Mamet demsuesta así que tiene tan claro como se hacen obras teatrales y como se teje su trasfondo que asusta ver como va hilando la importancia que va tomando el caso con respecto a la relación que van surgiendo entre los personajes.

Mamet es un gran dramaturgo y como gran hombre de tablas es de los pocos que pueden ofrecer algo doblemente nuevo, no solo una obra de teatro en forma de film, sino una gran dirección que se pone a los pies de la historia, la parte más importante de cualquier obra de teatro (a diferencia de lo que puede ocurrir en el cine), y eso Mamet lo sabe.

Otra de las grandes cosas que tiene la película a parte de su estructura teatral, es a un gran actor. Un gran actor que por una causa que desconozco es el único actor al que no se le valora lo que se debería. Y eso contando que a la mayoría se les da mas valor del que realmente tienen. Jeremy Northam es uno de los actores que mas me llenan en pantalla y eso que a penas le he visto, solo dos veces: CYPHER (Vincenzo Natali, 2002) y El caso Winslow (David Mamet, 1999). Pero tanto en una como en otra Jeremy Northam demuestra que está por delante de la mayoría de actores que salen tres veces mas en revistas que él. Por poner un ejemplo, Brad Pitt está tan lejos de llegara ser Jeremy Northam como Jeremy lo está de tener su fama. Al igual que Ocurre con Ralph Finnes, ¿Por qué no está en dos de cada tres películas como hace Bruce Willis?.

Nota: 8 (además de ser entretenida y original, está bien dirigida y me encanta como se lleva el hilo de la historia, y si hablamos de como se cierra...en fin, Mb)

Taxidermia

Una palabra define bien lo que uno experimenta al ver Taxidermia: Asco. Pálfi, su director, no quería que sintiesemos lástima por los personajes, tampoco quería que nos identificasemos con ellos, Pálfi solo tenía una cosa clara: "La gente debe sentir asco". Hasta tal punto llega el realismo en Taxidermia que hasta la propia película acaba coginedo un regustillo desagradable. Entonces todo se vuelve asqueroso en ella y es el momento para cerrar una película. Una película bien narrada, de ritmos lentos y juegos de cámara (en este caso mencionar la forma de utilizar los travellings y barridos, simulando el paso del tiempo.

Taxidermia es la historia de una familia a lo largo de tres generaciones (abuelo, padre, hijo). Los componentes de esta familia solo tienen una cosa en común: una fijación por la carne, en todas sus formas.
Y aunque se trate de una película dificil de extender por un público reacio a lo morboso, a lo osceno, a lo sangriento y a lo más animal, Pálfi demuestra con Taxidermia que no hace falta contar con una superproducción para contar bien una historia, manteniendo algo que admiro y adoro, el sello personal del autor.
Pálfi es de esos directores que puedes reconocer solo con la forma de grabar y eso no se aprende en ningún lado.

¿Y por qué es arriesgado hacr cosas como Taxidermia?. No solo porque no tiene filón comercial, eso ya lo dijimos. Sino porque Pálfi se salta una regla del cine que no es fácil saltarse sin salir perjudicado y no digamos la habilidad que hay que tener para que te salga tan redondo como le salio a Pálfi. Me refiero a humillar y a alejar a los actores del espectador. En las películas, el bueno, el malo, el policia, incluso la niña del fondo que no hace nada deben tener un "algo" que haga que el público sienta simpatía por ellos, de esta forma despistar al público o mantener interesada a la gente que mira a la pantalla y no dejar que aparte la vista ni un segundo.


Pálfi hace que el espectador sienta repulsión por sus personajes, por todos, por todos los que salen en Taxidermia. Las escenas de "asco" son tantas que saturan la película y hacen que todo aquello que pase tenga una connotación desagradable aunque no esté pasando nada que sea desagradable en si, no sé si me explico.

Otra de las cosas que acaban dce rematar la locura de Pálfi es el otro punto, el de mirar a la pantalla. Este director hace que sea costoso aguantar la mirada en la pantalla, incluso diría que poca gente, sabiendo a lo que están acostumbrados, estaría a gusto con esta película.
Por estas dos cosas que parecen contradecirse con los objetivos que en teoría debe tener un director en mente, Pálfi, se merece un pequeño reconocimiento.

Nota: 7 (Lo que importa es la narrativa y la peculiaridad de la película, no hay mucho más que destacar, Pálfi juega en su contra y para eso hay que tener huevos)

Accepted

Accepted es una película del 2006 dirigida por Steve Pink. Es una americanada. Un momento, ¿es una americanada?. No, no lo es. Aunque poco había oído de esta película, pero está metida en el cajón de "americanada", junto a American Pie, Cuestión de pelotas, o Scary Movie.
Y si yo fuese Steve Pink mataba a quienes me metieron en ese cajón. Vale, en la peli salen tías buenas, negros, etc etc. La fotografía es calcada a la de American Pie, es decir no hay directores de fotografía que no fumen porros para hacer estas películas.
Quitando que la tónica de la película es bastante yankie: flipadas como montar una universidad teniendo solo a cuatro jóvenes flacuchos como obreros, las tías están tremendas y son tontas, están los típicos chulitos, etc, Accepted es una buena película, solo por una cosa, porque es original.

Mientras va transcurriendo la película uno se da cuenta de que esos tópicos están ahí para que Steve Pink se ría de ellos, crea chistes inteligentes a partir de personajes estúpidos, se ríe de los yankies y da una buena lección de moral y ética, además de una fuerte crítica a esta sociedad, a el mal sistema estudiantil que sufren en USA y a esa conciencia colectiva que no es otra cosa que la forma de que nos auto controlemos. Así, realizando actos"buenos para todos" no hagamos despertar esa conciencia que no nos dejará dormir. Se supone.


He aquí a Blake Lively

Blake Lively es Quien se supone que es la tía buena que en teoría persigue el pringao de la peli, ya conocen la dinámica de estas cosas.
Bien, pues se trata de una tía que deja al gilipollas a mitad de película, y deja ver que es una chica inteligente, con sentido del humor y que no tiene miedo a ser amiga de los "pringaos" (establecidos por esta sociedad). Se ve ya en el personaje de Blake Lively las pautas que sigue el guionista de Accepted para llevar que Steve Pink llevara a cabo este film.
En resumen una buena película de humor que se defiende de las críticas destructivas escudandose en ella misma, en su propia prédica: como dicen al final de la peli:

"No se fíen de las primeras apariencias"

Y bien cierto es, porque hay que darle diez minutos. DIez minutos para que arranque el espíritu crítico e inteligente que Accepted marca en su humor y en sus deseos (los deseos de los personajes), y consiga despegarse del todo del tono americanado de su comienzo.

Nota: 6 (No lo merece, pero al ser original gana mucho y hacer que te intereses por lo que sale en la pantalla es haberlo conseguido. O sea, que cumple con el objetivo con el que deberían cumplir todas las películas, entretener de una forma original, no a base de refritos ya desvirtuados)

CRASHti lo hubiese hecho mejor

Paul Haggis, 2004. Un día, Paul Haggis nació con el único objetivo de mandar a la mierda uno de los grandes títulos del cine. Me refiero al Crash de Cronenberg comentado abajo.
Solo una cosa hay que decir del Crash de Paul:

"Tio deja la iluminacion Hollywoodiense, ya cansa y no pega para sacar a un matrimonio llorando o escenitas así.

"Paul, ¿Qué iluminación quieres aquí?. Ninguna en especial, hadme la estandar, que si no no ganamos nada."Observen como la iluminación le quita dramastismo a la imagen. Parece un vampiro que se dispone a chupar la sangre de su nueva victima.

Nota: 6 (No está del todo mal, pero me ofende verla, no la vean, ponganse la de Cronenberg.) Utilicen bien el Emule aunque solo sea por un día de sus vidas: Crash (Cronenberg, 1996).

Crash

Estaba yo sentadito en mi tejado. Videando Crash (Paul Haggis, como los pañales Huggies , 2004).
Entonces al llegar a eso de la hora, pensé: "¿Y a esto le dieron el Oscar?". Quite Crash y puse Crash, la autentica, la buena, la de Cronenberg. No puedo ver el Crash de Paul Haggis, no me entra, y menos despues de ver la magnifica y morbosa pelicula de Cronenberg (1996).

Cronenberg, como hacen los grandes directores en ocasiones, entra a saco. Comienza Crash con una escena de sexo un tanto posesivo, sexo , sexo sobre metal. Y así, con una escena te plantea el tema de la película: Sexo, metal y violencia en todo ello.


Cronenberg, todo un machote canadiense.

Un dato importante es que no cualquiera puede ver Crash y apreciarla en su totalidad si cree que no debe pensar con las películas de Cronenberg, y más si estás viendo Crash. Tras esta primera escena de planteamiento, planteamiento entre líneas y sutíl; Cronenberg sigue una tónica inalterable: 1- Choque
2- Sexo
3- Choques y mas sexo.
El primer choque es el que cambia la mentalidad de quein lo padece, según Crash cuando uno sufre un accidente encuentra en esa destrucción una parte de creación. La parte creativa no es otra que despertar en el interior de quienes lo padecieron, un intenso impulso hacia lo violento, hacia lo sexual. Y es que lo más parecido a un accidente y su impacto es el contacto entre un cuerpo y otro.

De este modo la tónica de la película es bien parecida a una pelicula pornográfica:
Se presentan a los personajes. Y todos follan con todos (hombres con hombres, mujeres con mujeres, mujeres con hombres, y coches con coches). Y todo para referirse a algo más de lo que parece puro sexo. Todo para referirse a la poesía que existe en lo destructivo, todo para plantear porqué motivo lo violento es morboso, adictivo. Tan atractivo que merece dar la vida por ello.
Entonces llega la escena en que los dos hombres se hacen un poco el amor. Entocnes no se preocupe, la gente empezará a acomodarse, no entenderán porqué se tienen que liar los tios.
Pues bine, para quien aún lo ha pillado, es una metáfora. Es decir, en vez de que un narrador te explique que la violencia tiene un punto adictivo extremo, pues te pone a dos tíos que no se hubiesen liado en la vida, sino fuera porque están cegados de excitación.

Crash no es más que una gran obra de arte que a ojos de espectadores que no quieren descifrar lo que sale en la pantalla, se creen que están viendo, ante todo, una película subidita de tono. Lo es no lo niego, pero porque hace falta esa frialdad y ese realismo sexual para fundir la metafora del morbo con lo destructivo.
¿Que demuestra Cronenberg en cada película que hace?: Pues que sabe lo que quiere dar, y que sabe que lo que quiere dar es violencioa en todas sus forma. Eso si, violencia con trasfondo, trasfondo depresivo (Spider), trasfondo amoroso (promesas del este), trasfondo relacion destructivo-morboso, etc. Según palabras de Cronenberg todas sus películas son películas de amor, pero todas ellas violentas y expresivas.

Nota: 8´8

Dos hombres y un Destino.

Flipé, directamente, había oido hablar de la peliculita durante años a todo el mundo. Pero nunca imagine que Paul Newman y Robert Refort me calleran tan bien en la pantalla.

Dos hombres y un destino es una película de dos hombres, uno que dispara my rápido, y otro que habla mucho, en la que no ocurre practicamente nada pero te hacen creer que en cualquier momento ocurrirá algo, y algo grande.

Toda la trama se basa en huir de unos tipos a los que nucna se acaba de ver en detalle, es más, los tios no tienen dialogo, te hacen saber que uno de ellos es abogado y otro un famoso rastreador. Y todos están contratados por un ricachón al que estos dos (Paul Newman y Robert Refort) han robado un par de veces.

La verdad es que con esta pelicula uno aprende qué es tener química en la pantalla, no sabría bien decir porqué pero es una pelicula muy entretenida y todo ello sin que ocurra nada entretenido, ergo.... tienen queser los actores. La dirección corrio a cargo de George Roy Hill, fue rodada en 1969.

En pocas palabras, me recordó mucho a Death proof, ya que al igual que en Detah Proof, los personajes están definidos, tú sabes quien es el vaquero amlo y quienes las presas, pues ocurre los mismo con dos hombres y un destino, sabes quienes son los protas, sabes que son la presa, sabes que tienen un destino.

Nota: 8,6

Matilda

Si hay que nombrar a un director de cine que tiene su estilo propio bien podría estar, David Lynch, D.Cronenberg, , Shyamalan o Danny DeVito (o Fincher). Y ninguno de los citados directores estaría errado. Algunos dirán,que Danny DeVito tampoco es que se merezca estar entre esos otros, puede que en eso no se le pueda comparar, está muy por debajo. Pero si es cierto que en lo referente a sello personal, el enanito gruñón si es digno de estar entre los primeros.

Recordemos Smoochy (Danny DeVito, 2002) con ese grna Edward Norton en el papel del gran dinosaurio púrpura fabrica sonrisas. Recordemos como Danny DeVito tiene ese tiempo ( que viene a ser a la hora larga de película) en el que uno dice: "Estos planos me están volviendo loco". ¡Si amigo!, ¡¡¡¡Se está volviendo loco!!!!. Por qué, porque El director no deja de hacer zooms, inclinar planos, y meter mil planos por segundo para mostrar como El dinosaurio se come un gran bollo de crema en dos fases: Morder-tragar, morder-tragar. Esta simple convinación de gestos suponen para Danny DeVito una parte agotadora del proyecto ya que tiene que sacar miles de planos, uno por cada movimiento, por mínimo que sea, que realice su actor.

No me estoy metiendo con él. Solo digo como trabaja, exagera mucho la cantidad de planos. Pero es su sello personal, no es que no sepa dirigir, Dannyelillo sabe bien las técnicas de dirección, solo que un día escuchó: "aprende las normas y luego te las puedes saltar". Y...claro, el pobre como nunca pudo saltar nada en su vida, ni un misero chicle del suelo, (ya que es paticorto, mide 1,52, muy bajito) quiso saber que sesentía al saltar algo, aunque fuera virtualmente, pues lo hizo. Se saltó las normas.

Dejemos de lado los chistes-explicativos-negros/humor.net
Centremonos en la película Matilda (Danny DeVito, 1996).
Matilda (Mara Wilson) es una niña con poderes telequineticos que cae en manos de una familia amante de la telebasura, amantes de la ignorancia, amantes de todo aquello que esté lejos de lo sano, lo honrado, de lo bueno y lo culto. Ahí acabó Matilda, rodeado de los Wormwood (DannyDeVito, el padre; Rhea Perlman, la madre ( que creo que está casada con Danny, creo, no lo sé bien); por último está un chico que hace del Hermano de la brillante Matilda, no merece la pena ni mirar quien era, no tengo ganas de buscar a un tal asjhjdn whdkjfd, prefiero llamarle así, así por lo menos este nombre durará mas en sus mentes.

En fin, la película cuenta con un guión interesante , y mas si tienes de 12 años para abajo, el sumun del paraíso con 7 años, esa época en que estás fuera del mundo pero ya tienes la capacidad de apreciar un poco las cosas. Pero para los adultos es divertido ver a matilda dando hostias a una groda que se cree conan pero vestida de tirolesa militar. También están bien las escenas de efectos especiales y , mas para ser el 96 y no disponer tampoco de una superproducción como el señor de los anillos o Matrix, en lo referente a el dinero invertido, en proporción, claro.
Y todo eso cuenta con esa manera que tiene de manejar la cámara Danny DeVito, la mayoría de los planos tienen ese toque surrealista que imprime con el plano inclinado y esas iluminación perfectas para meter primeros planos con una panorámica o con un gran angular. El típico efecto del visor de la puerta para ver a los dos personajes que llaman.
Para mi gusto se ceba inclinando la cámara, me imagino el plató: "Bien, ahora vamos a hacer una excepción muchachos, (risita de enano gruñón), venga poned las cámaras en posición recta, si hombre, esa, joder, en la que al niño no se le orta una oreja y se le deja todo el getón. Ah! se refiere a poner la cámara normal".

Bueno me lo tomo a coña porque lo único que hay que decir de de Matilda es que la dirige Danny y por ello es buena y muy curiosa, toda una curiosidad digna de comprarse y almacenarse para luego tener un gran tesoro. Golum!...aaaag.

Nota: 7










Pd: (se llama,Brian Levinson, al fina lo busque...me arrepiento he perdido el tiempo.)

La Mosca

Un día Charles Pogue (guionista), decidió reescribir un popular cuento, basado en un científico que por error une su adn al de una mosca por culpa de un teletrasporte.
Tras, muchos guiones, y muchos directores diferentes. David Cronenberg acabó realizando La Mosca en 1986. La Fox Produjo algo que hoy en día no haría, en definitiva, sacaron a la luz una gran película.

Los protagonistas son Jeff Goldblum (Jurassic park I y II). Y Geena Davis, hay que reconocer que hace 21 años estaba mucho mejor, y por ello no me parecía una mujer preciosa, hasta que vi la peli y...pensé: "Uuuh! Geena, que bien te sienta la juventud".

Videando el Making of, Jeff Goldblum parece un poco vanidoso y ególatra, pero no hay quien pueda negar que se trata de un gran actor.

La Mosca es el Remake mejorado de la primera pelicula con el mismo nombre. (Kurt Neuman, 1958 con Vincent Price y Patricia Owens). Mejor que no la vean, bueno, si quieren ver la original haganlo, tampoco es que sea malisima. Pero es ese cine antiguo de ritmos lentos, dialogos innecesarios y sin detalles cuidados. No sé, a mi particularmente el cine antiguo solo me parece interesante en manos de buenos directores: Elian Kazan(la ley del silencio), Orson Wells (sed de mal, ciudadano Kane), Hitchcock(Psicosis, Vértigo), Gordon Douglas(La humanidad en peligro...), etc, etc.

En fin, Volvamos a la pelicula que quería criticar. Cronenberg dirige de una manera increible. Mientras está tomando planos medios de una escena(planos que yo llamo de transicion, los que aparecen para mostrar angulos de una accion que se está realizando, que suelen durar pocos segundos , icluso milésimas) el tio para a los actores, entra en plano, les dice como quieren que lo hagan y lo hacen, todo sin cortar. Es decir Cronenberg graba al estilo teatro, parece que solo hace pruebas pero resulta que luego de esas "pruebas" en las que se escucha a todo el equipo hablando, al de sonido se le ve en la pantalla, el monstruo y los que le manejan están por ahí bromeando y resulta que son rodajes en serio.
Luego al gente dice: "Rodar con Cronenberg es increible, uno dice al ver la película, ¿Y ese plano cuando lo rodamos?".

¿Qué demuestra esto?, ¿Que Cronenberg es un desorganizado?. No, demuestra que tiene tan claro lo que sale en la cámara, que sabe como se pueden rodar las cosas. Es decir, Cronenberg tiene tan claro la manera en que editará esa parte que se permite el lujo de hablar mientras ruedan, sabiendo que luego se quitará el sonido y se doblará o solo ahbrá música.
Siempre pensé que se podía dirigir así, pero dudaba porque todos lo hacían en silencio y sin hablar. Pero visto lo que hace Cronenberg (Promesas del este, Spider, Videodrome, Crash (la autentica, no la nueva que ganó el Oscar, que da pena) ).

Pero porqué es tan buena la version de Cronenberg?. Pues porque con tres actores consigue crearte una trama, y ¡vaya trama!. Por cierto, no solo crea una gran trama sino que consigue que poco a poco la historia pase de ser un simple experimento a un gran problema filosofico. Ya que no solo trata el tema de que Jeff Goldblum se convierta en mosca, también trata temas como el de la carne, la importancia de la posesion y otros temas como el amor, ya que en teoría es una historia romántica, como todas las pelis de Cronenberg; las decisiones o los miedos (embarazos, etc).

En definitiva, no hace falta decir mucho, simplemente al videarla comprenderán que es una pelicula futurista, recuerden que es de 1986. Por cierto, el diseño de las cápsulas de teletransporte, están basadas en el diseño del carburador de la Ducatti de Cronenberg. Cosas de genios.

Nota: 8 (La mejor de Cronenberg se llama Crash y es una convinacion perfecta entre, deseo, terror, violencia y surrealismo. Ya la comentaré algún día, cuando la revise en detalle.)

Por: David Hereñú

Cellardoor

Aunque ya llevamos tiempo metidos en preproducción se planea para el próximo verano (2008) rodar un nuevo cortometraje. Esta vez la temática ronda entorno al terror.
Cellardoor es su nombre (que lo traduzca quien quiera, los diccionarios existen también en otros idiomas).

Hemos creado un fotolog. Tienen el vínculo a su derecha. Este blog es solo para comentar películas. Y para la nuestra queda mucho, espero que no tanto.

En fin, que ahí tienen el almacen de imagenes de opruebas de cára que haremos, bien por separado, bien juntos. COsas del guion, fotos, etc.
Es más para nosotros que para otras personas, pero bueno a lo hecho pecho.

Por: David Hereñú

All That Jazz...(la,la,la,la)

¿Les suena el cartél?. Pues fue antes que Chicago.

Quieren ver El Musical?
Quieren saber de donde se inspiró Darren Aronofsky para los vertiginosos efectos de Requiem por un sueño (Aronofsky 2000).?
Quieren ver un musical como dios manda? ( es decir, que el director sea el coreografo)
Quieren ver un musical que está rodado con un ritmo casi de acción, pero controlando? (es decir mil planos por segundo, peor bien metidos)?

Bien pues vean All That Jazz (Bob Fosse 1979). SI!! es Bob Fosse el coreografo de Chicago (Rob Marshall 2002). Tras videar Allthat jazz ustedes se harán la misma pregunta que yo. ¿Por qué cojones no le dejaron a Bob Fosse dirigir chicago?. No digo que Rob Marshall sea un mal director, tampoco es que sea bueno. Solo digo que Fosse se lo come con patatas, y sin ellas.
Nadie lo sabe, ni el productor de Chicago (Jennifer Berman, la misma que se dedicó a ser la productora ejecutiva de Shall We dance? y Dirty Dancing). Esta mujer aun no sabe porque no gana dinero tal como sus estudios le prometen. Se esperaba que Chicago (el musical, no la pelicula en blanco y negro que alguno se está pensando, que no tiene nada que ver) recaudara casi el triple de loq ue recaudó.

Bob Fosse

All that Jazz no solo es un buen musical, con buenas canciones, sino que toca otros palos, como la muerte, la importancia de las decisiones, la reflexion personal, el imperativo socrático: "conocete a ti mismo" y muchos mas tonos que mas pegan en una pelicula filosofica que en un musical. Lo que pasa es que Bob Fosse es un buen director y entonces toda esa mezcla que dudas genera, (parece contradictori tocar el tema de la muerte mientras otros cantan una canción muy cabaretera) seamos francos, se convierten en toda un peliculón.

Todos, cuando nos dicen que vamos a ver un documental, admiten que videarán algo que practicamente carece de un hilo argumental sólido y que las canciones estarán metidas ahí "por que si, porque toca". Como ocurre en Moulin Rouge ( no me acuerdo del director, ni de la fecha y paso de buscarlo. Solo sé que es el mismo director de Romeo y Julieta (1996). Pero ni me acuerdo de la peli, porque mi cerebro tiende a borrar pelis como esa.

En fin, All That Jazz es el mejor musical que he visto hasta la fecha, y eso que tengo un afecto especial a "Hair" (Milos Forman, otro grande del cine. Mas conocido por "alguien voloó sobre el nido del cuco"). Lo que pasa es que Hair se hace un poco pesada ya que el argumento es un poco chorrica. Si alguien lo pide comento Hair, pero que sepan que si no han visto Hair están en pecado. Y mas si solo han visto Moulin Rouge.

Nota: 7 (Es una gran musical, pero hay cosas mejores.)
Nota como musical: 10 (Como una casa)

Por: David Hereñú

Zodiac

Hay quienes dicen que el nuevo Kubrick se llama David Fincher(Alien3,Club fight,la habitación del pánico,Seven,Zodiac...). No lo sé, es posible, aunque a mi no me gusta comparar.
Lo que si es cierto es que Fincher es uno de los mejores directores del presente, si no, el mejor.
Algunos dirán: "bueno, tampoco es para tanto, es que te gusta a ti".
Si, me encanta. Pero si observamos el aspecto de creatividad, Fincher es, de forma indiscutible, un ser que solo piensa en 35mm.

Para demostrarlo voy a comentar de algo que me informó mi amigo Alberto Macasoli, otro que solo piensa en 35.
Zodiac es una película que no parece constar de grandes efectos especiales, bien. Resulta que a mi parecer es posiblemente la película que mejor incluye los efectos especiales, y la peli tiene un huevo. Les voy a explicar que es saber utilizar todos los recursos con cabeza:

La mitad de los escenarios de la película son en parte hechos con ordenador. Es decir que Fincher quería recrear los años setenta lo mas fiel posible a lo que fueron los setenta. Para ello grabó muchas calles utilizando Croma (es decir, pantalla verde), que es en lo que se basan los efectos especiales. De esta manera bien podemos estar viendo la escena en la que los investigadores pasean cerca del taxi en el que Zodiac acaba de matar y sin que nos demos cuenta estamos viendo la mitad de las casas que el bendito ordenador se a currado. Eso es usar efectos especiales y no lo que hace de forma lamentable cualquiera de los dos Alien Vs Predator.

Pero claro, como no es espectacular no se le nomina a mejores efectos especiales. Yo le daría todos los premios de efectos especiales (Fx). Ya que me parece que hay que tener muy clara todas las técnicas y la cabeza para sacarle el provecho a estos efectos de una manera mucho mas práctica que otras películas como Armageddon (Michael Bay, 1998).

Es más, creo que los efectos especiales están mejor exprimidos para crear partes de la calle que nos rompen la época de los 70, y crear los edificios que queremos, que utilizándolos para petar la pantalla de edificios cayendose.

Pero Zodiac no solo cuenta con efectos especiales utilizados de manera exquisita y detallista. También cuenta con una trama no solo bien tejida en el guión, sin que tan bien muy apreciable en la forma de llevar a los personajes según van tomando importancia en la historia, cosa que aun no he visto a hacer a otros "grandes". Quitando al impecable Shyamalan que con la joven del agua nos dejó una gran fuente de conocimientos que aprender en lo concerniente a ir dando protagonismo a distintos personajes de forma perfecta.
Volvamos a Zodiac, solo comentar un detalle que hay que tener muy en cuenta ya que aun tratandose de algo no muy importante, nos da pistas del punto de detallismo al que llega Fincher:

Jake Gyllenhaall (creo que se escribe así). Que es uno de los personajes principales, por no decir el principal, va apareciendo de forma mas repetida mientras la trama va complicandose más. De esta manera casi no le vemos al principio, y al final está en todos los planos auqneu no esté haciendo nada. He aquí una muestra perfecta del control absolutop por parte de Fincher del nivel de preproducción tan tremendo que deben tener con este hombre los pobres guionistas, productores yequipo en general.
Por cierto una de las escenas mas veces repetidas fue la conversacion entre los tres detectives y Zodiac por primera vez. Una escena aparentemente simpel que te tiene en tensión constante. Y eso que son solo 4 personas hablando.

Nota: 9,8 (Zodiac es, sin ninguna duda, la mejor pelicula del 2007).
(Es mi opinion, claro.) (El 10 aun no ah llegado, auqnue seguramente sea la proxima peli de Fincher, ajajaj)

Por: David Hereñú

Viaje a Darjeeling

Personalmente, la mejor película de humor que he visto en mi vida. No es que me gusten mucho las películas de humor, me suelen parecer vacías y no me hacen reír demasiado. Bien, pues entré a videar viaje a Darjeeling y me hubiese quedado atónito si no fuera porque no podía parar de llorar. Seguramente una película que no funciona nada en este país.
¿Por qué?. Porque la película solo tiene tres cosas: Humor inteligente(en España aún no saben lo que es), Ironía en cada segundo(demasiado para gente acostumbrada a considerar American Pie una gran película de humor o a Jim Carrey un gran actor cómico) y una dirección perfecta para el tipo de humor que exige viaje a Darjeeling debido a su guión. Wes Anderson, su director, controla a la perfección el barrido y es capaz de conseguir introducirte en un mundo cargado de absurdos mientras va destrozando tópicos como el típico hombre gigante que se baja del coche y hace que todos se acojonen.(evidentemente Wes anderson se ríe de eso, he ahí otro tipo de humor que los Españoles son incapaces de apreciar). Puede que haya que tener sangre argentina (que no es otra cosa que encontrarle el doble sentido a las cosas, y no me refiero a sacar el chiste fácil y obsceno que tanta facilidad y tanta fama causa en esta piel de toro.)

Viaje a Darjeeling no es una película que consiga sacar risas de gente que acostumbrada al chiste fácil se cierre a tener que pensar en peliculas inteligentes, que también sean del mismo género, humor. A continuación explicaré porqué falla en este país, y se darán cuenta que es simplemente por prejuicios que un tonto creó y todo un país no dudó en seguir a pies juntillas.:

Para que la gente se entere los Indios no suelen estar quietos mirando a cámara, eso es una coña de Wes Anderson para que te rías. Se llama humor negro y consiste en hacer creer que los Indios son tontitos, con humor claro, no lo hace con animo de ofensa. En todas las escenas los Indios aparecen mirando a cámara como estatuas, claro, no podía evitar reírme, es un absurdo muy obvio y muy simple. Obvio es lo que creía yo, porque la gente se giraba para mirarme. Se giraban para cerciorarse de que veía la misma pelicula que ellos veían. Alguno habrá pensado que estaba leyendo un cómic de mortadelo y filemón.
Hablando de mortadelo y filemón. Antes de que comenzara la película pasaron el trailer de Mortadelo y Filemón y se produjo el efecto contrario:

Solo salían hostias que se llevaban, evidentemente, Mortadelo y Filemón. Bueno el cine era una orquesta de risas y carcajadas el único que no se reía,era yo. No por joder, simplemente porque no encuentro la gracia a ese tipo de películas. Con ver una hostia las he visto todas. Evidentemente es problema mio, porque no soy capaz de apreciar la diferencia entre que te aplaste un coche o que te caiga encima una gorda.

Bien cuando empezó la película, como ya he dicho, las tornas se cambiaron, solo yo me reía. La única carcajada general de toda la sesión fue cuando tras un gran chiste inteligente, Jason schwartzman se come una ventana. Entonces todos nos reíamos, Yo porque aun seguía con el chiste(ahora mismo me estoy riendo al recordarlo) y la gente porque el bajito del grupo se había pegado un trastazo que vi a duras penas mientras me secaba las lágrimas.

Increíblemente inteligente. Esa son las dos palabras que resumen una de las mejores películas de humor que he visto. Lo mejor: El funeral a cámara lenta, puro absurdo condensado en tres hombres caminando entre una pequeña cantidad de Indios.
Tan sutil llegaba a ser la película que en ocasiones no sabia si la imagen absurda estaba hecha a posta o era cosa mía de tanto que me reía. Evidentemente Wes Anderson es un buen director, y como buen director, todo lo que sale en sus peliculas está medido y revisado. Lo siento, pero tengo que comentarles el funeral para que me entiendan:

Se trata de los tres hermanos (Jason Schwartzman, Owen Wilson y Adrien Brody) caminando a cámara lenta ataviados de Indios (de forma ridícula a la vez que creíble). Bien, en teoría es un momento dramático. Y Wes anderson trata de que no se pierda del todo esa idea (por eso creo que la gente no entiende la película, porque siempre se guarda un momento de realismo que hace dudar de si las cosas son a coña o son totalmente en serio). Para empezar las flores que tiene Jason en la mano no llegan al ataúd. Mientras avanzan todos los indios están inmóviles mirando a cámara. Entonces en primer plano aparece un indio mirando a la izquierda sin sentido, me quedé callado, no entendia el chiste. La cámara siguió avanzando y más adelante se puede ver a otro indio mirando hacia la derecha, entonces mis risas eran tremendas, y eso que intentaba controlarlas, pero no pude. Tras veinte metros de un absurdo sutíl hasta decir basta la cámara deja de moverse. Bien, el plano queda como sigue: En la parte izquierda de la pantalla el cuello de un camello (y su cabeza,claro) mirando al ataud del niño. indios a punta pala mirando a ámara. Creo recordar que al fondo había uno saludando de forma exagerada. Y a tres buenos actores que ponían cara de pena en un momento que poco tenía de tristeza, por no decir nada. Yo no sabía si lloraba por la gran dirección e ingenio de Wes Anderson o por la cantidad de sutilezas que le sacaba al plano en cada segundo.

En conclusion la mejor pelicula de humor que he visto en mi vida. Y una pelicula muy bien hecha. La verdad es que ha sido lo mejor que he visto desde hace mucho tiempo. Ya que el conjunto deja una sensación de cuidado y perfección, llevado a cabo a través de romperse la cabeza por tratar de hacer una pelicula Extremadamente rara, extremadamente sutil, con una banda sonora excelente, una gran canción:(Peter Sarstedt. Where do you go my lovely) y una magnífica interpretacion. Ni que decir tiene que la dirección es la idonea para esa película y parece que Wes Anderson se reinvente el cine creando un guion junto al actor Jason Schwartzman con el que solo encaje una forma de dirección, la que ellos creían correcta para dar fuera a un guión muy sutil.

Nota: 8,9
Personalmente: 10 (A mi me parece que lo que le falta en el aspecto de dirección lo suple en originalidad y buen humor.) (me parece un peliculon dentro de las peliculas de humor. Incluso se come a muchas peliculas y eso que su orientación es simple y llanamente hacer reir a los mas despiertos)

El tópico???: Que los españoles se crean que las películas de humor no están hechas para pensar. Si no piensas no veras viaje a Darjeeling, veras "vaya sin sentido de film".

Por: David Hereñú

Deseo, Peligro.

Ang lee no es Dios, Dios es Ang lee. La verdad es que no diré mucho porque podría pasarme horas hablando de lo bueno que es este director. Así que diré lo que mejor justifica mi nueva Teogonia:

Son casi tres horas de película y me parecieron una y poco, solución, Ang Lee controla a la perfección los ritmos de las escenas. Es mas los ritmos de cada escena son Perfectos, ni un segundo más ni un segundo menos.

Te cuenta una historia de una mujer y sin que nadie lo diga te hace saber que son dos cosas lo que ella siente: Deseo y miedo (peligro). Hay que ser muy bueno, para expresarte sin palabras lo que alguien siente.

Ang Lee dirige a los actores que da gusto verlos. Uno piensa: ¿Como coño hay tantos actores buenos en esa peli?. Luego tu cerebro dice: No, es Ang Lee dirigiendo a los actores.

Es listo como el demonio: No solo se adelanta a tus pensamientos, sino que te manda a la mierda los tópicos y te llama gilipollas creido a la cara. Mas o menos te dice: "¿Te creías en serio que no tenía la situacion controlada y repensada? Ingenuo".

En conclusión. Ang Lee es un gran director. De los mejores que te puedes echar a la cara.
A mi, personalmente (porque es a mi), me parecio la obra de arte que llevaba tiempo queriendo ver.

¿Quieren ver una buena historia, bien contada, bien dirigida y con un gran contenido entre lineas? Dese, peligro se llama la respuesta.

Cuando acabó la película, el hombre que estaba a mi lado dijo: "Larga y mala". Me hizo sentir tristeza, esa es la opinion que algunos españoles tienen del gran cine oriental: que son largas y malas. Esa es la cultura cinematografica y cultural que predomina en este pais: Afirmar sin saber.(No digo que yo tenga la razón absoluta, pero por lo menos tengo argumentos para justificar mi opinion, él no parecía tenerla)

Nota: 9 (El 10 solo es para una pelicula y aun no he llegado a verla).

Por: David Hereñú

Soy un mierda, digo... Leyenda.

Hay dos cosas que hicieron que me doliese pagar por entrar a videar Soy Leyenda (o Soy un mierda, como quieran.)

1) Porque creía que la pelicula contenía un buen guión, es bien conocido el libro del que toma nombre la película. Me equivoqué.

2) Porque creí entrar a ver una película con buenas dosis de acción.

Bien. Con respecto al primer punto me voy a aclarar. El director de Soy leyenda no es malo, dirige bien, pero solo dirige, se la sopla la trama del guión, él está ahí para mandar que se vuelva a repetir la toma si el cámara se resbala. (Francis Lawrence, Si!!, el mismo que dirigió Constantine [2005])
Bien, pues el director de Constantine y I am Legend rodó borracho esta última. Constantine no es que sea una obra de arte, es más, más le gustaría al Francis, pero está entretenida. ¿Que por qué digo que estaba borracho perdido? pues porque intenta hacer un remix de dos cosas que son incompatibles (como bien se dice en fotogramas, Número 1.971 página 14. Mes de enero 08) "reflexion y entretenimiento". Yo diría más aun, falla porque intenta mezclar el día a día normal de un tio solo en Neva York y los momentos mas claves de la historia de alguien que salva a la humanidad. Me explico.

Tú estas videando la pelicula y Will smith va por ahí en su coche (el que le salga del ojo derecho, porque tiene todos los del mundo y nadie va a decirle nada) para ir a la tienda de siempre a coger un disco nuevo que escuchar, porque está solito y el perro no sabe hablar, así que algo tiene que escuchar antes de volverse loco. Y en la siguiente escena, Pum!. El tio está en su laboratorio investigando el virus. Pum! cambiamos de escena, Will smith juega al golf sobre un caza. PUM!. Will smith corre porque le persiguen unos zombis malos malos. Pum! Will smith se hace unos huevos fritos con mucho bacon. Pum! Will smith...¿donde coño está Will smith?. Pum! Susto, estaba duchandose y no el veiamos. Pum! Zombies. Pum!. Mira, mira, joe, está cachas, mira como hace ejercicio. Pum! Fin de la pelicula.

Eso viene a ser soy leyenda: Una mierda, eso si, con mucho presupuesto. Por ello les voy a resumir el making of:
- El guionista era el perro que sale en la peli. El editor no sabía si era un buho amazonico o un hombre que en Teoria sabe controlar los ritmos de escenas. Y Lawrence estaba de vacaciones pero nos dejó poner su nombre en los créditos. Por cierto, la peli no es del libro "I am Legend" es de la biografía de Will Smith: "El día a día de una estrella"

¿¿¿Lo mejor de la peli???: Cuando alguien le dice al director que ya no hay tiempo para rodar mas cosas y te resumen lo que tenía que haber hecho Will Smith con una narración de cinco minutos, en la que se dicen cosas que Will smith no sabía ni que estaban en el guión. Esta narración cierra la pelicula, me daban ganas de levantarme yu gritar: Mentira!!! esa es otra pelicula!!!.

Nota: 4 (y se merece un -2 por que no cuenta nada y le da mas importancia a cosas que no la tienen)

Por: David Hereñú

1408

John Cusack es un buen actor y quien opine lo contrario solo tiene que ver 1408. La verdad es que la adaptación del guión del rey del terror (Stephen Edwin king) deja mucho que desear. No me creo que Stephen haga una patata como esa.
Quitando a quienes adaptaron el guión 1408 es una pelicula entretenida y pegajosa. De esas peliculas que no te dejan quitar la mirada de la pantalla ni un segundo. Y eso ya es bastante considerando la cantidad de directores "patata" que hay sueltos por el mundo del cine. No digo que Mikael Hafström sea un gran director, digo, simplemente, que es un director que sabe lo que quiere dar y como quiere darlo y eso en cine ya es más de un 60% de la pelicula. Si la mayoría de directores tuviesen claro esos dos aspectos entonces el cine sería otra cosa( y las salas se deberían hacer mas grandes, jeje.).

La pelicula empieza con un extraño prologo que no aporta mucha información sobre lo que le precede, pero bueno, había que llenar minutos. Y digo que era para llenar minutos, porque todo lo que explica el prólogo se explica mil y una veces una vez que el señor Cusack entra en la habitación que da nombre (o número) a la película.

Los sustos son los típicos sustos de libro. Un buen golpe de música milésimas antes de que de tiempo a asimilar el plano del "monstruo" (con monstruos me refiero a los ologramas encargados de dar sustos al personal) y ala, todos pa casita. Pero no son los sustos carentes de originalidad lo que le dan fuerza a la pelicula, tampoco lo que sucede en la habitación. Lo que le da la vida a la pelicula es Jhon Cusack, un hombre que un día decidió hacer todo lo contrario de lo que hace Tom Cruise, es decir, tener un amplio registro de expresiones. Y es que Cusack tiene ese "no-sé-qué" del que alardean los grandes actores.

Personalmente, pocos actores pueden meterte tanto en el papel de locura como lo hace Cusack. Me quito el sombrero porque creía que iba a videar una "patata rusa con doble de bostezos" y me encontré con un actor que salva a todo el equipo solo con abrir la boca y fruncir el ceño un poquito. Y es que ¿Qué actor puede marcarse una película, SOLO, sin que te parezca que está recurriendo a las mismas caras en cada plano?. Ya respondo yo: Pocos, muy pocos.
Por ese motivo voy a poner dos notas:

Nota 1408: Un 6.
Nota Jhon Cusack: Un 8.


Pd: Quien me diga Tom Hanks (Naufrago, Robert Zemeckis, 1998) no a leido el final de la pregunta. (No digo que sea mal actor, digo que no es Cusack)

Por: David Hereñú